Insegnare l’iconografia nel XXI secolo

(Originariamente pubblicato su Orthodox Arts Journal)

Condividendo il nostro metodo di insegnamento, invito altri iconografi a condividere le loro opinioni sull’insegnamento, poiché solo affrontando questo argomento da più angolazioni possiamo favorire la nascita di una nuova generazione di iconografi che sarà migliore di noi.

Il metodo di insegnamento che io e mia moglie Olga Shalamova usiamo ora si è sviluppato gradualmente. In Italia, nel 1994, ho iniziato come interprete e assistente di mio padre, sacerdote ortodosso Andrea Davidov. Il suo metodo si basava principalmente su due aspetti chiave: condividere la sua conoscenza della teologia, della storia dell’iconografia e dell’arte, e mostrare il suo modo di lavorare. Durante i corsi dipingeva sempre una o due icone, dimostrando il suo metodo. Ricordo che parlava dei concetti teologici fondamentali dell’iconografia e di cosa la distingueva dalla pittura religiosa. Le mattine iniziavano con una preghiera, e poi proseguivano come un vero e proprio laboratorio, dove tutti lavoravano in modo creativo, chiedendo consigli l’uno all’altro e all’insegnante. Inoltre, più volte al giorno, per quanto ricordo io, mio padre aiutava personalmente gli studenti con il loro lavoro affinché potessero portare a casa le icone finite. Ricordo chiaramente mio padre durante, ma soprattutto dopo i corsi. Erano tempi di un lavoro così intenso e di una concentrazione estrema, che alla fine di un corso (che poteva durare fino a 12 giorni) era completamente esaurito e stanco morto. Abbiamo parlato di questo molte volte. Sebbene vedesse che questo metodo non fosse ideale, non riusciva a vedere come potesse essere cambiato in meglio.

Aiutando gli studenti con le loro icone, in realtà li spingeva e li tirava attraverso un programma che non sarebbero stati in grado di seguire autonomamente. Tenendo presente che ogni studente sperava di portare a casa un prodotto finito, dava il massimo per aiutare tutti a ottenere un risultato decente a costo di uno sforzo enorme.

Dalle  testimonianze sia di mio padre che dei suoi apprendisti so che questo approccio era stressante per tutti. Eppure, sembrava non esserci alternativa, anche se sapevamo che altri iconografi insegnavano in modo diverso. Molti di loro fornivano agli studenti disegni lineari già pronti.

Questo aiutava a ridurre la quantità di lavoro, ma mio padre sosteneva che solo le icone che partono da disegni individuali possono essere autentiche e funzionare come sermoni visivi convincenti.

Quando fui invitato per la prima volta a insegnare in Italia nel 2004, seguii il metodo di mio padre. Proprio come lui, insegnavo agli studenti di iniziare ogni icona con un disegno. Anche io facevo del mio meglio: scegliendo i modelli e aiutando i partecipanti al laboratorio passo dopo passo nel proseguire il loro lavoro. L’intero tempo del laboratorio era dedicato a eseguire il processo lavorativo che normalmente avrei avuto a casa; l’unica differenza era che al laboratorio non avevo tempo per fare ricerche. Come altri insegnanti di iconografia, aiutavo i nostri studenti a finire le loro icone entro la fine di un corso di 5-6 giorni. Mia moglie Olga mi ha aiutato a insegnare usando lo stesso approccio per diversi anni, ma a un certo punto pensammo che ci fosse qualcosa di veramente sbagliato in quel senso di profonda stanchezza e impotenza durante e dopo ogni laboratorio. Ci rendemmo conto che eravamo al tempo stesso insegnanti che condividevano le loro conoscenze e tutor che richiedevano ai loro studenti di mostrare un chef-d’oeuvre (un’immagine finale d’arte nel tradizionale significato della parola francese).

C’era qualcosa che non andava, come sapevamo dalla nostra esperienza personale di lavoro e studio. Dopo un processo di apprendimento, ci si può sentire stanchi, ma non impotenti, come se qualcosa fosse completamente sbagliato.

Fu nel 2018 quando decidemmo di organizzare un laboratorio sperimentale. Un laboratorio in cui non avremmo promesso ai nostri potenziali studenti che avrebbero finito completamente le loro icone. Andammo anche oltre: dicemmo che nessuno di loro avrebbe lavorato su tavole gessate, ma solo su carta. Lo pianificammo in un posto dove avevamo già tenuto diversi corsi, quindi pensammo che fosse una buona occasione per apportare un cambiamento con un programma totalmente nuovo per persone che ci conoscevano.

All’inizio eravamo davvero spaventati, perché si trattava di un cambiamento totale di focus e avevamo paura perché potuto essere un fallimento completo. Nel creare il nuovo programma, smettemmo di descrivere i nostri laboratori come eventi in cui si doveva “produrre” e portare a casa un’icona bella e lucida con la doratura. Elaborando il nostro nuovo approccio, decidemmo di dedicare il massimo tempo ed energia al vero processo di apprendimento, piuttosto che insegnare come eseguire accuratamente particolari passaggi sulla tavola gessata. Nella descrizione del laboratorio, definimmo i nuovi obiettivi e suggerimmo nuove pratiche. Promettemmo che, invece di portare a casa un’icona, parzialmente prodotta dallo studente e parzialmente dall’insegnante, lo studente sarebbe tornato a casa con una pila di disegni, che avrebbe eseguito con pochissimo o nessun aiuto da parte degli insegnanti.

Come ho detto sopra, proponemmo questo approccio agli studenti che ci conoscevano, e tutto andò bene. Da quel momento in poi, cominciammo a variare la quantità di studi per ogni laboratorio, mantenendo sempre il focus principale sull’apprendimento. Ora passiamo i primi 2,5 giorni a fare disegni e schizzi come preparazione per l’icona vera e propria, che dipingiamo negli ultimi 2,5 giorni. Vediamo che questa esperienza funziona meglio. Gli studenti hanno il tempo di imparare molte abilità senza la pressione di fare un errore, e quando cominciano a lavorare sulla loro immagine finale (a volte su tavola gessata, a volte su carta), sono sicuri di sé e sanno cosa stanno facendo.

La decisione principale è stata smettere di insegnare le tecniche e cominciare a insegnare un metodo e una struttura, che possono sempre essere adattati alle condizioni e necessità individuali.

È stato difficile partire da zero, ma iniziammo con il concetto che anche le icone e gli affreschi più insoliti, così come le illustrazioni di libri più stravagante (come quelle straordinarie provenienti dall’Armenia o da Lindisfarne), sono originalmente basati sull’anatomia umana. Accettando questo, riteniamo che nei diversi periodi storici, in terre diverse e in circostanze diverse, gli scopi degli artisti fossero differenti. Da qui facemmo il passo successivo, consapevoli che esistono certe caratteristiche comuni che troviamo nella stragrande maggioranza delle opere liturgiche. Se erano accettate da Chiesa per quasi duemila anni e sembra che non siano casuali, allora il nostro compito come iconografi (e insegnanti di iconografia) è insegnare come produrre immagini con queste caratteristiche, piuttosto che cercare di insegnare tecniche o abilità specifiche. Usando questo metodo, confrontiamo ogni immagine con ciò che potrebbe sembrare se resa secondo l’anatomia umana classica, analizzando quali scopi i cambiamenti e i mezzi applicati intendessero servire.

Oltre alle infinite opportunità di apprendimento, questo approccio all’arte cristiana medievale aiuta a trattenersi da giudizi affrettati e conclusioni troppo rigide. In realtà, non abbiamo inventato questo approccio. Ho usato il metodo che mio padre cercava di applicare su di me, e in più abbiamo preso in prestito alcuni principi didattici che ci sono stati presentati durante gli studi all’Accademia di Belle Arti di San Pietroburgo. Nella nostra Alma Mater ogni aspetto dell’insegnamento aveva una sua ragione e rispondeva a una domanda specifica. Per questo motivo continuiamo a perfezionare il nostro metodo di insegnamento, cercando di includere non solo l’aspetto pratico, ma anche la teologia e la teoria generale. Abbiamo scoperto che per rendere un laboratorio più efficace dovremmo esporre i nostri studenti a quante più attività didattiche diverse possibile, perché ognuno impara in modo diverso. Tuttavia, introducendo i nostri studenti a una serie di discipline, abbiamo capito che la parte più difficile è definire un modo per insegnare materie teoriche come la teologia e la teoria dell’iconografia a coloro che sono o vogliono diventare artisti visivi. Non intendo dire che tutti gli artisti abbiano difficoltà a memorizzare concetti astratti. È perché per gli iconografi, la teologia dell’icona non è solo una “teoria” – è una delle ragioni per cui hanno scelto questa vocazione. Faccio fatica a trovare un’altra sfera dell’attività umana in cui la teoria dell’attività stessa abbia un’importanza così cruciale – tranne forse, nella pedagogia, dove la teoria dell’insegnamento sta effettivamente al cuore dell’insegnamento. In generale, è davvero difficile immaginare come insegnare una forma di attività artistica che sia informata dalla teologia, profondamente radicata nella tradizione, e che, per funzionare correttamente, debba coinvolgere anche la creatività.

Sembra impossibile, ma è molto simile all’apprendimento in qualsiasi ambiente accademico. Ogni professore condivide la propria visione, e ogni materia si aggiunge alle altre e al tutto. L’ambiente accademico è il luogo dove le persone fanno domande – non solo imparano ciò che dovrebbero, ma anche il valore della ricerca. E penso che probabilmente questa sia la caratteristica più mancante nell’educazione iconografica di oggi: la discussione e i criteri su cos’è l’iconografia e cosa dovrebbe essere, considerando il contesto del XXI secolo.

Mi sembra che queste  un’educazione seria e multidisciplinare in iconografia è ora molto richiesta. Dopo che il primo interesse per l’iconografia si è diffuso in diversi paesi per almeno qualche decennio, ora è il momento di un approccio più complesso, che permetta a clero, iconografi e laici di approfondire le proprie conoscenze nel nostro campo. Per vedere le immagini in chiesa non solo perché collegate ai loro modelli, o perché illustrano eventi biblici, ma perché comunicano visivamente la fede in Dio.

Parlando con colleghi di diversi paesi, mi sono reso conto che uno dei cambiamenti più importanti nell’educazione iconografica del nostro tempo è già avvenuto. È stato durante il periodo del Covid, quando tutti siamo stati costretti a immergerci più a fondo nella tecnologia – anche in ambiti dove sembrava totalmente inadeguata, ora la tecnologia è aperta. Essere costretti a rimanere a casa ha suggerito nuove forme di comunicazione, ma anche nuove forme di insegnamento, specialmente per quanto riguarda il disegno. Si scopre che per molte materie, come il disegno o anche per alcune lezioni, è meglio avere abbastanza tempo per spiegazioni approfondite e per una formazione individuale. In questo caso, i tutorial video funzionano davvero bene. Con l’insegnamento in presenza non c’è mai abbastanza tempo per esercitarsi nel disegno, mentre con le presentazioni online si possono guardare quante volte si vuole anche rallentandole. Inoltre, mentre si discutono e correggono gli errori degli studenti in un contesto di classe reale, si ha un tempo molto limitato. Quando insegno in classe reale, sento che tutti stanno lavorando e progredendo nel loro lavoro, quindi posso correggere un certo passaggio solo una volta – altrimenti qualcuno potrebbe rimanere troppo indietro. Per alcune materie semplici va bene, ma per questioni più complesse semplicemente non c’è abbastanza tempo, poiché dobbiamo tutti andare avanti. Questo è il vantaggio dell’insegnamento online. Avendo una settimana o due settimane di tempo per un compito specifico, gli studenti possono lavorare al proprio ritmo, e noi come insegnanti abbiamo l’opportunità di suggerire le nostre correzioni in modo individuale, senza fretta e senza la pressione che altri studenti restino indietro nei loro studi. Inoltre, proprio come in una classe reale, ma anche meglio, gli studenti in Google Classroom possono vedere i lavori dei loro compagni di classe e leggere i nostri commenti, imparando costantemente dagli errori degli altri.

Tuttavia, per chi pensa che insegnare online sia facile, voglio condividere un po’ del nostro processo per mostrare cosa c’è dietro al risultato finale.

Hai mai provato a guardare il tuo processo di lavoro dall’alto, come se stessi osservando il flusso di lavoro di qualcun altro ripreso da una telecamera nascosta? È così che sembra a prima vista, ma è molto più entusiasmante.

Guardando i tutorial di altri artisti, abbiamo scoperto che insegnare realmente qualcosa a qualcuno è molto diverso dal semplicemente mostrare come lavori. Quindi, quando abbiamo iniziato a filmare i nostri corsi, è diventato chiaro che la parte più laboriosa era dietro la camera.

Il tempo è diventato la valuta principale – spendi più tempo da parte tua affinché i tuoi studenti possano spenderne meno. Sembrava evidente, ma non ci avevamo mai pensato: per ogni buona dimostrazione bisogna scrivere uno scenario dettagliato perché nelle video dobbiamo descrivere ogni azione, tecnica e soggetto in modo cristallino, affinché chiunque possa avere un’idea molto chiara di ciò. Per fare in modo che la tua lezione diventi un vero tutorial pratico bisogna pensare, provare, riprovare e riscrivere lo scenario più volte prima che possa essere veramente usato come lezione. Nessuno ci aveva detto che per preparare un video tutorial di mezz’ora avremmo bisogno di settimane o anche mesi per le riprese, ma ora sappiamo come funziona. E la cosa migliore è che noi e i nostri studenti amiamo i risultati.

Tuttavia, dopo aver filmato diversi corsi, che coprivano segmenti specifici dell’iconografia (come disegnare volti lievemente asimmetrici, come disegnare i gesti di benedizione e quale sia la differenza tra di essi, e altri argomenti), abbiamo scoperto che fare corsi separati non era abbastanza. Un riassunto di dettagli ben realizzati non fa né una casa né un’icona, quindi nel 2023 abbiamo introdotto il programma che abbiamo chiamato Gruppo di Studio.

Questo programma ci permette di raccogliere tutta la conoscenza, insegnare cosa mancava e dipingere un’icona. È stato davvero un compito impegnativo: guidare le persone attraverso tutta la complessità del processo di lavoro. Stavamo mostrando ai nostri studenti come preparare i primi schizzi, come ingrandirli aggiungendo dettagli, come lavorare con diversi modelli e come fare una sintesi. È stata un’esperienza interessante vedere le persone affrontare sfide reali e risolvere compiti concreti.

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Insegnare l’iconografia significa cercare di apprendere il sistema di valori dei nostri predecessori, anche se per molti di noi è anche una chiamata alla creatività in chiesa. In un certo senso è come essere su un corso su “Scrittura Efficace”: passiamo mesi (o anni) immersi nel mondo della letteratura mondiale, e alla fine della giornata ci insegna come scrivere per le persone del nostro tempo con le nostre parole.

Ecco come vedo un processo ideale di insegnamento dell’iconografia: è ispirante svelare i tesori del passato per i nostri studenti, ed è una gioia vedere come cominciano ad usare le chiavi per aprire le porte della conoscenza. C’è un senso di realizzazione nell’osservare i nostri studenti imparare ad apprezzare i tesori comuni dell’arte cristiana e usare i mezzi che l’iconografia tradizionale ha da offrire.

Quali sono questi mezzi? Come possiamo imparare a scrivere o dipingere icone senza preoccuparci di prendere la strada sbagliata? C’è una sola risposta a questa domanda, come ho già detto sopra: seguire un metodo di apprendimento basato su studi interdisciplinari e valori, dove ogni nuovo aspetto o argomento aiuta a rivelare meglio ciò che già si conosce. Potrebbe sembrare confuso e complicato, ma solo scegliendo un curriculum di apprendimento trasparente e adattabile possiamo permettere all’iconografia contemporanea di evolversi senza perdere il suo nucleo.

Filippo Davydov
Aprile 2024 – Gennaio 2025