Arte per la meditazione

l’iconografo Filipp Davydov in conversazione con Lisa Shirk (apparsa originariamente su  VITA POETICA ).

Usato con permesso.

Filipp Davydov è un iconografo di seconda generazione, con un Master conseguito presso l’Accademia Statale di Belle Arti di San Pietroburgo (Facoltà di Teoria e Storia dell’Arte). Da marzo 2022 vive e lavora nella Repubblica di Georgia, dipingendo icone e insegnando iconografia.

Lisa Shirk: C’è qualcosa che vorresti condividere riguardo a come sei cresciuto e a come la fede ha influenzato (o meno) la tua forma d’arte?

Philip Davydov: Beh, mio padre è un sacerdote ortodosso; è normale nella Chiesa ortodossa che i sacerdoti siano sposati. Mio padre è anche un iconografo, quindi mi ha insegnato il suo mestiere. In seguito, mi sono laureato come storico e critico d’arte, e questo mi ha aiutato a vedere l’iconografia come una delle forme d’arte. Non è solo qualcosa di unico, mai appartenuto ad altro: è parte della nostra cultura universale, semplicemente uno dei rami dell’albero dell’arte. Questo mi ha aiutato a capire che ci sono molte tradizioni diverse racchiuse in ciò che una volta si chiamava arte liturgica, arte cristiana o iconografia. Penso che questo mi renda un po’ diverso da molti altri, perché ho appreso sia dalla pratica che dalla teoria. Sono stato fortunato, credo.

LS: Ti sei sempre considerato un artista?

PD: Non ne sono sicuro; è una domanda difficile. Siamo tutti artisti in qualche modo, e mi dispiace molto quando sento qualcuno dire cose tipo: “Oh, la mia insegnante di prima elementare mi ha detto che non sarei mai stato capace di fare arte.” Ma perché lo fanno? Tutti noi abbiamo un aspetto creativo nella nostra personalità, e non si può dire che qualcuno non sia capace di fare [arte]. Alcuni sono più aperti a un certo tipo di creatività, altri meno, ma c’è sempre qualcosa di creativo in noi. Sempre.

LS: Non tutti sanno cosa sia l’iconografia. È qualcosa di cui si sente parlare, ha sicuramente radici storiche profonde, ma mi piacerebbe che tu ci spiegassi: che cos’è l’iconografia? In che modo è distinta dalle altre forme di arte cristiana?

PD: L’iconografia è un tipo specifico di arte, elaborato per uno scopo preciso—ed è importante ricordarlo. Ti faccio un’analogia da un altro ambito. Ad esempio, nell’illustrazione dei libri, c’è una certa libertà, ma anche delle regole imposte dall’uso delle immagini. Allo stesso modo, quando entri in chiesa per pregare, non vuoi essere intrattenuto o distratto: desideri immagini che ti aiutino a mantenere la mente in uno stato di concentrazione e meditazione pacifica.

L’iconografia russa è uno dei rami dell’iconografia cristiana; di nuovo, è solo una sua sezione. La Russia ha ricevuto il Cristianesimo dalla Grecia, e con esso l’iconografia. Ma intorno al XIII secolo vediamo lo sviluppo di uno stile proprio. In alcuni aspetti, è più “provinciale”, ma questo è uno dei motivi per cui amo l’iconografia: non si tratta solo di abilità tecniche. Le abilità sono importanti, certo, ma non sono tutto. Conta anche le scelte che fai. Hai un compito specifico, stai creando un’immagine, stai pensando attraverso le immagini. Stai lavorando per qualcuno, anche senza commissione, ma con una certa disciplina. L’iconografia è uno strumento per la concentrazione, per la meditazione. Sei libero entro certi limiti, e questi limiti ti permettono di creare. Ma se vuoi che quell’immagine sia qualcosa di totalmente diverso, allora non è più un’icona. Ci sono centinaia di generi diversi: può essere decorativo, può essere tante cose, ma non necessariamente un’icona.

LS: Sì, adoro il termine “libertà con dei limiti”. Come artista io stessa, a volte sento che quando non ci sono limiti, in realtà è più difficile essere creativi e andare in profondità nel proprio lavoro, perché è tutto troppo vasto.

Ho visto sul tuo sito web che hai detto che l’iconografia dell’Ortodossia russa è una forma specifica di formazione. Quindi sarei curiosa di sapere: in cosa consiste questa formazione? Quali sono i materiali che usi? Quanto dura questo percorso? Com’è stato per te quel processo?

PD: In quanto storici dell’arte e critici d’arte, cerchiamo di analizzare e comprendere le immagini che abbiamo ereditato dal passato, dal Medioevo, dal punto di vista degli scopi o delle intenzioni che aveva l’artista nel crearle. Cerchiamo di chiederci: perché ha fatto questa scelta o quell’altra? Le scelte che avevano a disposizione permettevano loro di produrre queste immagini, letteralmente, pacifiche.

Per fare questo, non è tanto una questione di “comportarsi bene”, ma di seguire una certa routine o una metodologia specifica nel creare l’immagine. Perché se chi guarda vede qualcosa che non è tanto prevedibile, ma coerente, allora quell’immagine dovrebbe essere qualcosa di coerente, dove chi osserva può aspettarsi coerenza ovunque.

Come si raggiunge questo? Si parte da un disegno. Prima ti assicuri che il disegno sia davvero buono, che risponda ai tuoi obiettivi, e che possa essere accettato da tutti i punti di vista – composizione, disposizione delle dinamiche, e altri aspetti. Dopo di ciò, il modo in cui lo sviluppi… in molti aspetti, rappresenta la possibilità di creare una certa unità, che dovrebbe influenzare chi osserva in un certo modo.

Quindi stai costruendo il modo in cui l’immagine viene percepita, e credo che questo sia uno degli aspetti più importanti dell’iconografia. Non stai semplicemente “gettando pittura” sulla superficie – cosa che può anche succedere, se necessario – ma piuttosto la stai costruendo, come se stessi scrivendo una storia, come se stessi scrivendo un sermone per un pubblico specifico. Stai considerando requisiti specifici, e anche il contesto. È questo che accade.

Nel tuo sermone, a volte puoi usare parole antiche, ma devi avere un buon motivo per usarle affinché abbiano senso nel contesto. Lo stesso vale qui: stai creando un contesto davanti al quale le persone si sentiranno a proprio agio nel pregare e meditare.

LS: Amo questa analogia, e adoro l’espressione “creare una certa unità”. Ne abbiamo davvero bisogno.

Come scegli le iconografie che vuoi dipingere? Come decidi quale sarà il tuo prossimo progetto?

PD: Per fortuna, abbiamo centinaia e migliaia di immagini ereditate dal passato. E puoi essere ispirato da qualsiasi cosa. Vedi un bellissimo colore verde, vedi il movimento di un angelo verso Maria mentre le dice “Ave Maria”, e magari ha una proporzione molto allungata… Può essere qualsiasi cosa. Qualsiasi dettaglio.

LS: Negli ultimi tempi, come artista, ho riflettuto molto su come l’intelligenza artificiale stia influenzando l’arte, e adoro il modo in cui usi il termine “immagini ereditate dal passato”. Mi piacerebbe sapere se hai dei pensieri sull’aspetto della ripetizione. Prendi queste immagini ereditate e le fai diventare ciò che devono essere oggi, per la tua pratica. Hai delle preoccupazioni quando vedi come l’IA viene usata nel mondo dell’arte? Qual è il tuo punto di vista?

PD: I miei colleghi sono preoccupati per le macchine da stampa che possono stampare direttamente sui muri, perché è il tipo di lavoro che loro stessi erano abituati a fare. Ma possiamo preoccuparcene solo se il nostro lavoro viene valutato in base alla velocità con cui lo realizziamo. Una macchina lo farebbe sicuramente meglio e più in fretta. Ma se ci avviciniamo alla questione come uno scrittore, e qualcuno viene a dirti: “Ciao, puoi scrivere un libro in quattro giorni?” Sì, è possibile, ma sarà un buon libro?

È strano che gli artisti accettino di giocare a questo gioco. Credo che il mondo della produzione e del consumo ci proponga questo tipo di approccio, ma se stai lavorando con l’arte – che per sua natura dovrebbe essere anti-consumistica – allora il processo può richiedere un anno per realizzare una piccola cosa, o un’ora per creare qualcosa di enorme. Quindi penso che l’arte sia fuori da questo gioco.

Per quanto riguarda l’IA usata dagli artisti, per ora, quello che vedo sono effetti interessanti, più che immagini che abbiano un vero impatto riflessivo. Ma forse tra un anno, o cinque, arriverà il momento in cui l’intelligenza artificiale potrà davvero competere con gli esseri umani.

Una cosa positiva – o almeno un mio sogno – sarebbe vedere come alcune immagini antiche o medievali potrebbero essere restaurate grazie all’IA. Oggi alcune vecchie fotografie vengono già restaurate. Immagina di farlo anche per immagini più antiche, tenendo conto del contesto.

Io stesso uso l’IA per farmi correggere dei testi, e ci sono alcuni compiti – diciamo tecnici – che possiamo affidarle. Ma non sono ancora sicuro di potermi fidare della sua creatività, perché quello che vedo è ancora deludente.

Mettiamola così: quando vediamo qualcosa creato da un essere umano, percepiamo la personalità di quella persona, che era in uno stato d’animo e spirituale preciso nel momento della creazione. Lo sentiamo, magari in modo subconscio, dal modo in cui la pittura è stata stesa, dalle pennellate o dai tratti di matita.

Con l’IA è come un riempimento di plastica, che imita la cosa, ma non so se riuscirò sempre a distinguere cosa è stato fatto da un essere umano e cosa no. Ma sento che le opere umane sono più immediate. Toccano di più l’anima, se sono state create sinceramente e con pieno coinvolgimento da parte dell’artista.

LS: È un punto molto interessante. Rothko parlava del fatto che l’arte può rispondere a domande esistenziali, e parlava molto anche del processo creativo. Tu hai detto che l’iconografia viene creata per scopi meditativi. Quando dipingi icone, senti che lo stato mentale e spirituale dell’artista si infonde nel lavoro? Vivi la tua pittura come una pratica meditativa?

PD: Sarebbe bello dire: “Sto sempre meditando quando dipingo”, ma non sarebbe vero, perché mentre dipingi stai risolvendo problemi. Stai pensando se questo blu va bene, se quel rosso è giusto, se la lunghezza di un dito è adeguata alla composizione. Quindi no, non è tutto meditazione.

Tuttavia, considerando il risultato finale, o il punto in cui sono arrivato ora, è importante mantenere tutto sotto controllo. Questo significa che la mia “missione” sta andando bene.

Se vedo che una parte dell’immagine grida troppo, e le altre cercano di attirare la mia attenzione competendo tra loro, vuol dire che ho fallito, perché non funziona.

Nel processo iconografico, l’immagine dovrebbe sempre trovarsi in uno stato di equilibrio pacifico, quasi già finita. Devi sempre essere soddisfatto dello stato attuale. Magari non è completa, ma le sue diverse parti sono coordinate.

Magari ho stabilito una certa gerarchia, e sono ancora dentro quel flusso: allora va bene. È un processo costante di costruzione, senza lasciare che una parte vada troppo avanti rispetto alle altre.

LS: Sì, una ricerca di equilibrio nel lavoro. Hai esperienze in cui la tua preghiera o pratica spirituale si è arricchita attraverso l’iconografia?

PD: Non riesco a distinguere nettamente. Perché nel processo di comunicazione che l’arte visiva suggerisce, non si tratta di parole. È un sentimento interiore, non verbale, che puoi trasmettere con colori e pittura, e che puoi anche ricevere guardando un’opera fatta con quei principi.

Quando entri in una chiesa antica o medievale, dove vedi opere create con intenzioni precise, è un’esperienza spirituale, anche se non direi: “In quel momento stavo pregando.” No. È come entrare in contatto con l’esperienza di qualcuno vissuto 800 anni fa.

Perché le pennellate che vedi sono fisicamente concrete, e ti parlano di quella persona. È come se vedessi dove ha posato il pennello, e senti lo stato mentale e spirituale di chi ha creato quell’opera.

A volte vediamo cose così straordinarie che non avresti potuto farle bevendo un caffè e fumando una sigaretta. Perché senti che c’è stata una immersione totale, una gerarchia di valori, e che quella particolare opera non avrebbe potuto essere diversa.

È così elegante, così nobile… Non puoi crearla d’impulso. Devi aver studiato, provato molte volte, prima di arrivare a quella semplicità così raffinata.

LS: Hai mai lavorato su un progetto estremamente difficile, tu e Olga, in cui vi siete chiesti se sareste riusciti davvero a portarlo a termine, magari per la scala, la complessità o la tematica iconografica?

PD: È una bella domanda. Ho trovato la risposta solo alcuni anni fa. Quando stai imparando, pensi: “Ok, devo imparare questo, questo e questo, poi sarò un professionista, e riuscirò a fare tutto quello che voglio.”

Parlando con colleghi che considero grandi artisti e professionisti seri, tutti dicono:

“Se inizi un lavoro sapendo già come finirlo, sei un artigiano, e hai fallito al 100%.
Se non sai come iniziare, sei un artista, e hai una possibilità di farcela.”

Ogni progetto dovrebbe essere così. È come dicevano i saggi cinesi:

“Inizia ogni opera come se fosse la prima volta. Solo così sarai attento e accurato.”

Altrimenti rischi di affidarti troppo alle tue capacità, senza scoprire ciò che la situazione ti sta suggerendo.

Negli ultimi due anni, ho compreso l’importanza di questa consapevolezza totale, di questo stato di allerta. Non è quello che vuoi dire, ma quello che puoi produrre collaborando con la superficie, l’ambiente, l’architettura, e tutto ciò che ti circonda.

Solo osservando ogni secondo, ogni cambiamento, puoi davvero lavorare bene. Non si tratta di imporre la tua volontà, ma di lasciare che l’immagine evolva da sola, con il tuo aiuto.

Come un bravo scrittore: spesso leggiamo che segue il personaggio, e non sa dove finirà. È qualcosa che sto scoprendo solo da poco, ma è meraviglioso. Quindi sì, ogni volta deve essere una sfida.

LS: Sì, ed è un ottimo consiglio per i giovani artisti, o per chi sta appena iniziando a sviluppare una pratica, o magari, come abbiamo detto all’inizio della conversazione, scopre in età adulta, a metà vita o più tardi, “Ehi, sono un artista, voglio dedicarmi a questo.” Hai qualche altro consiglio o suggerimento da dare a chi sta iniziando, o sta considerando la propria pratica con occhi nuovi?

PD: Sì, in breve, considerate davvero la vostra superficie e i vostri strumenti come i vostri migliori amici e colleghi. Giocate con i materiali per conoscerli meglio, e lasciate che facciano loro il lavoro. Non si tratta di disegnare e disegnare ancora, ma di lasciare che la bellezza del materiale diventi il fascino principale e l’aspetto affascinante di ciò che state producendo. Così ci sarà meno da fare, ma il risultato sarà più potente, espressivo e d’impatto.

LS: Ottimi consigli. Li annoteremo tutti. Anche se si è molto avanti nella propria pratica, sono consigli preziosi.

Voi fate anche dei workshop, giusto? Quindi avete ovviamente la vostra pratica di pittura, ma insegnate anche questo mestiere e questa arte ad altri, corretto?

PD: Sì, lo facciamo… da molti anni. [Mia moglie, Olga, ed io] abbiamo sistematizzato l’iconografia, la presentiamo in modo accademico. Non si tratta di copiare e dipingere per numeri o con i colori, ma si tratta di imparare come costruire certi tratti umani, l’anatomia e altri aspetti. Poi li trasformi in modo che si adattino all’obiettivo dell’iconografia. Quindi impari l’anatomia pratica e poi la trasformi. Insegniamo tutto questo perché pensiamo che sia l’unica via verso la creatività. Visita un museo: vedrai centinaia e centinaia di versioni della stessa immagine, perché ognuno le ha realizzate in modo individuale. Ed è questo che cerchiamo di trasmettere: impari come si fa, ma poi sei libero di farlo a modo tuo, perché ci sono opzioni e opzioni.

LS: Come pensi che sia cambiata l’iconografia nel corso della storia, in termini di consapevolezza delle persone, esperienza, espressione? E in che punto siamo oggi, in questo momento storico?

PD: Credo che l’iconografia, come altri tipi di arte medievale e arte cristiana, sia stata riscoperta alla fine del XIX secolo, inizio del XX. All’epoca, chi ne parlava, chi cercava di condividere informazioni, ha in qualche modo deciso che fosse un’arte della copia. Che si dovesse tracciare e riprodurre esattamente un modello, anche se non è mai stato così. Disegnavano, sì, ma in un modo diverso da quello che gli artisti rinascimentali cercavano di imporre come unico valido.

Così, negli ultimi decenni, molte persone hanno imparato questo approccio della copia. Ma a un certo punto, anche chi lo ha imparato si pone delle domande: e se volessimo raffigurare un nuovo santo? E se ci fosse una nuova circostanza? Se ho un modello quadrato, ma ho una parete lunga e voglio adattare la composizione a quella? Come faccio? Quindi queste persone vengono da noi, e sempre più spesso incontro persone che vogliono sapere, perché l’iconografia non è qualcosa a cui siamo rigidamente legati. Ci sono dei principi da seguire, ma al di là di questi, siamo liberi. Questo lo vediamo chiaramente nel Medioevo: quanto erano liberi! Incredibile. Ci sono cose che le persone del XII secolo facevano che oggi non sarebbero accettabili per alcuni contemporanei ortodossi, ad esempio. Anche se furono fatte in Grecia o altrove.

Quindi, direi che il problema è piuttosto in cosa la gente vede, o in quanto poco vede, perché da quando è iniziata la rivoluzione industriale, siamo abituati a riconoscere le cose. Vediamo una tazza, una casa, ma non vediamo davvero come la luce gira intorno a quella casa, come il blu e il rosso interagiscono sulle pareti del dipinto. Identifichiamo le cose, le leggiamo, ma non le vediamo davvero. Questo è il problema. La gente prende il blu dalla scatola e inizia a dipingere, pensando che il blu sia sempre blu. Anche se ci sono centinaia, milioni di tonalità di blu. Questo è il punto. E non so se sia possibile risolverlo su larga scala, ma cerchiamo di trovare un modo per insegnare alle persone a vedere.

LS: Sì, lo state risolvendo un workshop alla volta, aiutandoci a vedere. Grazie per questa conversazione. Speriamo che ora inizieremo tutti a guardare le cose un po’ diversamente.

Come possono le persone trovare i vostri workshop o le mostre d’arte che organizzate? Dove possiamo saperne di più sul vostro lavoro?

PD: Per i workshop e i corsi online, abbiamo iconography.online. E per le nostre icone, affreschi (sogno di dipingere affreschi un giorno), e altre cose, il nostro sito è sacredmurals.com.

Ora viviamo nella Repubblica di Georgia, a sud della Russia, a nord dell’Armenia. Stiamo cercando di assorbire quello che c’è qui, perché hanno una quantità enorme di affreschi medievali e icone nelle loro chiese e musei, e hanno già iconografi locali felici di produrre icone per le loro chiese. Ma forse in futuro vivremo altrove, e potremo esporre i nostri lavori, è nei nostri piani.

LS: Magari vi invitiamo a venire qui a Washington D.C. e potete dipingere un affresco qui! Vita Poetica è molto felice di avervi avuto con noi, di aver ascoltato e imparato da te, Philip, di poter vedere di più del vostro lavoro sul sito, e magari qualcuno dei nostri membri vi incontrerà a un workshop da qualche parte nel mondo. È bello sapere che facciamo parte tutti di questa comunità artistica globale. Siamo molto entusiasti del vostro lavoro e del fatto che portiate avanti questa pratica anche insieme a Olga.

Grazie mille per essere stato con noi oggi.

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Lisa Shirk è co‑fondatrice e membro del consiglio direttivo di Vita Poetica.